Negli ultimi anni la food photography è diventata un fenomeno non solo artistico ma anche sociale. Basta aprire un social come Instagram per rendersi conto di quanto i piatti abbiano conquistato lo spazio visivo, diventando protagonisti di feed, campagne pubblicitarie, menù digitali e racconti personali. Io stesso, pur non essendo un fotografo specializzato in questo genere, mi sono trovato spesso ad affrontarlo, soprattutto quando viaggio o quando voglio raccontare un’esperienza gastronomica che va oltre il semplice mangiare. Fotografare il cibo significa catturare un momento, restituire l’atmosfera di un luogo, far percepire la consistenza e il profumo attraverso un’immagine.
Ed è proprio questo il punto: la food photography non è mai solo documentazione, è evocazione. Un buon scatto deve far venire voglia di assaggiare quel piatto, di sentire i sapori, di vivere l’esperienza che quell’immagine suggerisce.
La magia della composizione
In questo genere fotografico nulla è lasciato al caso. Un piatto può essere bellissimo dal vivo, ma se fotografato male rischia di sembrare anonimo. Qui entra in gioco la composizione, che deve guidare lo sguardo e raccontare il cibo nella sua essenza. Ogni elemento, dal piatto al tovagliolo, dal bicchiere all’accessorio di scena, ha un ruolo preciso. Quando fotografo un piatto cerco sempre di pensare a cosa voglio trasmettere: eleganza, rusticità, freschezza, abbondanza? A seconda del messaggio, scelgo il punto di vista, la profondità di campo, la luce e i colori dominanti.
Amo sperimentare con le inquadrature nella food photography: dall’alto per restituire ordine e geometria, di lato per raccontare le altezze e le texture, ravvicinate per esaltare i dettagli. Ogni scelta compositiva diventa parte integrante del racconto visivo.
La luce come ingrediente segreto
Se c’è un elemento che può esaltare o rovinare completamente una foto di cibo, quello è la luce. La luce naturale è spesso la più adatta, perché morbida e avvolgente, capace di esaltare i colori senza renderli artificiali. Fotografare vicino a una finestra con una tenda leggera che diffonde i raggi è una delle soluzioni che preferisco, perché regala un’atmosfera autentica e naturale.
Tuttavia, quando non c’è abbastanza luce naturale, entra in gioco l’illuminazione artificiale. Qui bisogna saper dosare: luci troppo forti appiattiscono il soggetto, mentre quelle troppo deboli non rendono giustizia ai dettagli. In questo senso, la food photography è un genere che insegna davvero a “cucinare con la luce”, dosandola come un ingrediente fondamentale.
Food photography e storytelling
Ciò che mi colpisce sempre di più in questo genere è la sua capacità di raccontare storie. Un piatto non è mai solo cibo: è cultura, tradizione, memoria. Fotografare un piatto di pasta fatta a mano significa raccontare le mani che l’hanno preparata, la cucina da cui proviene, il territorio che rappresenta. Allo stesso modo, immortalare un dessert di alta pasticceria significa esaltare la creatività e la precisione di chi lo ha realizzato.
È per questo che la food photography ha avuto così tanto successo tra gli influencer: perché non si limita a mostrare cosa si mangia, ma diventa un modo per comunicare stile di vita, gusto, identità personale. Ogni foto è un messaggio, un invito a condividere non solo il piatto, ma l’esperienza.
Il rapporto tra estetica e realtà
Un tema delicato della food photography è il rapporto tra estetica e realtà. Spesso i piatti vengono preparati in modo diverso rispetto a come verrebbero serviti a tavola, perché devono risultare più fotogenici. Si usano accorgimenti scenografici, si scelgono porzioni ridotte, si giocano contrasti cromatici. Alcuni fotografi arrivano a utilizzare tecniche “truccate”, sostituendo ingredienti veri con elementi finti per renderli più stabili davanti all’obiettivo.
Personalmente, pur riconoscendo il valore di queste tecniche professionali, preferisco un approccio più autentico: mi piace raccontare il cibo così com’è, senza trasformarlo troppo, perché credo che la sua forza stia nella sua verità. E questa autenticità, soprattutto sui social, paga sempre di più.
Food photography come esperienza personale
Ogni volta che fotografo un piatto mi rendo conto che non sto semplicemente scattando una foto, ma sto vivendo un momento. Non a caso, molti dei ricordi più belli dei miei viaggi sono legati a tavole imbandite, a mercati colorati, a piccoli ristoranti dove il cibo racconta più delle parole. Fotografare il cibo mi ha insegnato ad avere pazienza, a guardare i dettagli, a cercare la bellezza nelle cose semplici.
Ed è proprio questo che rende la food photography un genere così affascinante: non serve andare lontano per praticarla. Basta un tavolo di casa, un piatto cucinato con cura, una buona luce, e si apre un universo da esplorare.
L’attrezzatura ideale per la food photography
La qualità d’immagine prima di tutto
In questo genere la qualità è fondamentale, perché il cibo deve apparire realistico, invitante e ricco di dettagli. Serve una fotocamera capace di produrre file nitidi, con colori fedeli e una gamma dinamica che permetta di gestire bene le zone di luce e ombra. La resa cromatica è la chiave, perché nulla deve sembrare spento o artificiale.
Fotocamere professionali e versatili
Le mirrorless full frame di fascia alta sono ideali per questo genere. Fotocamere come la Canon EOS R5, la Sony A7R V o la Nikon Z7 II garantiscono un’ottima risoluzione e file perfetti anche per grandi stampe editoriali. Tuttavia, anche sistemi più compatti come la Fujifilm X-T5 possono dare grandi soddisfazioni, soprattutto per chi vuole muoversi con leggerezza senza rinunciare alla qualità cromatica. Ciò che conta è avere un corpo macchina capace di lavorare bene in luce naturale e di gestire profili colore accurati.
Obiettivi
Gli obiettivi sono determinanti per esaltare i piatti. Le ottiche macro, come un 100mm f/2.8, sono perfette per catturare i dettagli, le texture, le piccole decorazioni che rendono unico un piatto. Un 50mm luminoso restituisce prospettive naturali e un bellissimo sfocato, ideale per ritratti di piatti dall’alto o di tre quarti. Anche il 24-70mm f/2.8 resta un alleato prezioso, perché consente di coprire situazioni diverse con grande versatilità senza cambiare ottica.
Accessori e attrezzatura di supporto
Qui si gioca gran parte della partita. Un treppiede stabile è indispensabile per scatti studiati, i pannelli riflettenti e i diffusori aiutano a controllare la luce naturale e ad ammorbidire le ombre, mentre i fondali e i props (tovaglie, posate, bicchieri) completano la scena e rafforzano lo storytelling.
In più, uno strumento sempre più usato nella food photography è il light box fotografico: un box da tavolo con pareti riflettenti e luci integrate che permette di ottenere un’illuminazione uniforme e controllata. È ideale per chi fotografa piatti piccoli o prodotti alimentari, perché elimina le ombre indesiderate e garantisce un look pulito e professionale anche in spazi ridotti. Un light box ben impostato è un alleato prezioso sia per chi lavora in studio, sia per chi crea contenuti per i social.
Food photography con gli smartphone di ultima generazione
Non si può parlare di fotografia di cibo oggi senza menzionare il ruolo dei moderni smartphone professionali, che hanno ormai raggiunto livelli di qualità sorprendenti. Dispositivi come l’iPhone 16 Pro, il Samsung Galaxy S24 Ultra, il Google Pixel 9 Pro o il Xiaomi 14 Ultra offrono sensori avanzati, ottiche luminose e software di elaborazione talmente sofisticati da rendere possibile realizzare scatti di altissimo livello senza dover per forza utilizzare una fotocamera tradizionale. La modalità ritratto consente di simulare un bokeh naturale, mentre le funzioni di gestione della luce e dell’HDR automatico aiutano a esaltare i colori dei piatti anche in condizioni di illuminazione non perfette.
Personalmente, credo che lo smartphone rappresenti oggi un alleato prezioso nella food photography, soprattutto per contenuti destinati ai social. La sua immediatezza, unita a strumenti come i light box portatili o piccoli accessori da tavolo (mini treppiedi, lenti aggiuntive), permette di creare set casalinghi capaci di dare risultati davvero sorprendenti. Non sostituisce le fotocamere professionali quando si lavora per editoriali o pubblicità, ma per la creazione di contenuti veloci, spontanei e di grande impatto visivo è ormai diventato uno strumento indispensabile.
